In London massenhaftes menschliches Elend und kommunale Enthüllungen

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Crystal Pites „Light of Passage“ im Royal Ballet befasst sich mit großen Themen: Flüchtlingen, Leben und Tod. Beim Ballet Black glänzt Gregory Maqoma.

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Von Roslyn Sulcas

LONDON – Eine Hell-Dunkel-Vision aus Schwarz- und Grautönen; ein malerischer Blick auf die Menschheit; ein filmischer Rahmen wogender, pulsierender Körper. In Crystal Pites „Flight Pattern“ sind diese Körper größtenteils nicht zu unterscheiden, eine brodelnde menschliche Masse aus Elend und Hoffnung, Flüchtlinge, deren verzweifelte Wünsche, Ängste und Verluste durch den Versuch zu überleben unterdrückt werden.

„Flight Pattern“, basierend auf dem ersten Teil von Henryk Goreckis trauriger Symphonie Nr. 3, „Symphony of Sorrowful Songs“, war der erste Hauptbühnenauftrag des Royal Ballet von einer Choreografin seit 18 Jahren, als es 2017 ins Leben gerufen wurde es wurde mit nahezu allgemeiner Anerkennung aufgenommen. Jetzt bildet es den ersten Abschnitt von Pites „Light of Passage“, einem abendfüllenden Ballett, das am Dienstagabend Premiere feierte, und nutzt die verbleibenden zwei Abschnitte der Gorecki-Partitur, um eine ebenso publikumsfreundliche wie ebenso einfache Erzählung darüber zu bilden der Übergang durch das Leben zum Tod.

Pites Können und sein choreografisches Können sind unbestreitbar. In „Flight Pattern“ bewegt sich das 36-köpfige Tänzerensemble wie eine Amöbe, kräuselt und wogt sich, Linien verschränken sich und verwandeln sich in Bewegungswellen. Die Musik ist zunächst ruhig und immer langsam, mit einem kurzen Sopransolo (Francesca Chiejina), das auf einem polnischen Klagelied aus dem 15. Jahrhundert basiert, in dem die Jungfrau Maria zu ihrem sterbenden Sohn spricht.

Die Musik, die Pite als Klanglandschaft und nicht als Bewegungsimpuls nutzt, passt perfekt zum malerischen Bühnenbild (von Jay Gower Taylor), das von riesigen dunklen Wänden dominiert wird, die sich hinter den Tänzern öffnen und schließen und manchmal eine schmale Kolonne zulassen Licht scheint durch und erzeugt manchmal eine undurchdringliche Dunkelheit. Hinter den Lücken liegt der ersehnte Grenzübergang, das Gefängnis, das imaginäre Land der Hoffnung und der Möglichkeiten.

Gelegentlich lässt Pite einzelne Personen aus der Menge hervortreten, insbesondere Kristen McNally in einem Solo, das den Verlust eines Kindes andeutet – symbolisiert mit einer kräftigen Portion Klischee und Gefühl, durch einen sanft gestreichelten Mantel. Am Ende von „Flight Pattern“ bieten sie und Marcellino Sambé ein wunderschön getanztes, trauerndes Pas de deux an – ballettartiger als der Rest des Stücks – während um sie herum Schnee fällt.

Pite ist zweifellos aufrichtig in ihrem Mitgefühl für die Not der Flüchtlinge, aber die implizite Forderung nach einem ähnlichen Mitgefühl vom Publikum und die sanfte Ästhetisierung des Leidens gehören zu den Gründen, warum ich mich trotz seiner choreografischen und visuellen Elemente gegen „Flight Pattern“ wehre Errungenschaften. Es ist verlockend, sich wie ein besserer Mensch zu fühlen, nur weil man den Film gesehen hat, aber das ist man nicht wirklich.

Die beiden neuen Abschnitte sind ähnlich gekonnt, aber noch sentimentaler. „Covenant“ beginnt mit einem kleinen, weiß gekleideten Jungen, der auf der Stelle rennt, während hinter ihm goldenes Licht durch gebrochene rot-schwarze Wolken gebrochen wird. (Bravo an den Lichtdesigner Tom Visser.) Der Junge ist das erste von sechs Kindern, die von einer Masse schwarz gekleideter Erwachsener hochgehoben, gestützt und umrahmt werden, während Chiejina leise zu langsam wechselnden Akkorden singt. (Aus Programmnotizen geht hervor, dass dieser Abschnitt seinen Ursprung in der UN-Konvention über die Rechte des Kindes hat; es handelt sich um die Art von Details, die man über ein Ballett nicht wissen möchte.)

Am Ende stehen die Kinder allein vorne auf der Bühne, die Erwachsenen treten in einer ineinandergreifenden Reihe im Hintergrund zurück. Stellen sie Hoffnung oder Opfer dar? Vielleicht ist die Mehrdeutigkeit beabsichtigt.

Teil 3, „Passage“, zeigt uns eher schematisch das andere Ende des Spektrums und beginnt mit einem älteren Paar (Isidora Barbara Joseph und Christopher Havell von der Company of Elders, einer Laientruppe aus Sadler's Wells), die es zu tun scheinen stellen den letzten Übergang des Lebens in Richtung Tod dar. Sie bewegen sich inmitten eines Waldes aus weißen Säulen, gestikulieren und winden sich umeinander, bevor sie die Bühne den massierten, kontrapunktischen Bewegungsabläufen überlassen, die Pite so wirkungsvoll macht.

An verschiedenen Stellen tauchen Duos auf, um ballettartige Pas de Deux vorzuführen, voller Schlittschuhwirbel und bogenförmiger Überkopflifte, bei denen die Beine in der Luft schwingen und aufplatzen. Die Tänzer sind wunderschön, aber generisch, vielleicht alle jüngere Versionen des älteren Paares. Meistens ist das Ensemble der Star, der in perfekt synchronisierter Kadenz schwankt, schwebt, steigt und fällt, umhüllt von Vissers goldenem Licht.

Am Ende umrahmen die Tänzer den älteren Mann auf beiden Seiten, während er langsam die Bühne hinaufgeht und seinen allein sitzenden und trauernden Partner vorne zurücklässt – ein vorhersehbares und eher sentimentales Ende.

Wie Kenneth MacMillans „Song of the Earth“ (1965) bietet uns „Light of Passage“ ein Porträt der menschlichen Reise mit dem Tod als ständiger Begleiterscheinung. Aber es ist weitaus weniger zusammenhängend und poetisch als MacMillans Werk und als Bewegung weniger interessant. In „Flight Pattern“ – wie in vielen Werken, die Pite für große Ballettkompanien schafft – werden die Tänzer als Mittel zur Erzielung einer Gesamtwirkung eingesetzt, nicht als Vertreter physischer oder technischer Möglichkeiten.

Das Gegenteil war der Fall bei einem Programm am nächsten Abend im Linbury, dem kleineren Black-Box-Theater des Royal Opera House, wo Ballet Black aktuelle Werke von Cassa Pancho und dem südafrikanischen Choreografen Gregory Maqoma aufführte.

Pancho, der gemischter Abstammung ist, gründete Ballet Black im Jahr 2001, kurz nachdem er eine Dissertation über den Mangel an schwarzen Frauen im britischen Ballett geschrieben hatte. Seitdem hat das Unternehmen mehr als 50 Ballette von 37 Choreografen in Auftrag gegeben und sich ein bewunderndes Publikum aufgebaut.

Allerdings nicht ohne Hindernisse, wie Panchos Werk „Say It Loud“ deutlich macht. Es ist eine biografische Darstellung der Unternehmensgeschichte in sieben Abschnitten, zu einem Soundtrack, der Steve Reich, den Grime-Rapper Flowdan, den Calypso-Sänger Lord Kitchener und Voice-Overs enthält („What's the point of Ballet Black?“ „Can we talk to a Tänzer, der Rassismus erlebt hat?“) Die Choreografie ist völlig unvergesslich, stellt die Tänzer jedoch auf unterhaltsame Weise als eigenständige Persönlichkeiten dar und wechselt zwischen glühendem Klassizismus, ironischem Hin und Her mit gefiederten Fächern und eher einer zeitgenössischen, geerdeten Körperlichkeit.

Maqomas „Black Sun“ ist weitaus ehrgeiziger und verbindet Klassik und Gegenwart, Vergangenheit und Gegenwart, um den intensiven Kampf und die Belohnungen anzudeuten, die mit der Verbindung zu einer körperlichen, persönlichen und kollektiven Ahnenerinnerung einhergehen. „Black Sun“ wird von Michael Asante, bekannt als Mikey J, mit einer dröhnenden, komplexen Partitur untermalt und beginnt im Ballettmodus, mit Frauen, die auf Spitzenschuhen über die Bühne schnurren, und einem Pas de deux mit William Forsythe-artiger Push-Pull-Dynamik. Dies ist jedoch der am wenigsten interessante Teil des Stücks, der bald einer eher geerdeten Bewegung ohne Spitzenschuhe Platz macht. Die Tänzer erliegen langsam einem mehr von innen angetriebenen Tanz, ihre Körper zittern und zucken, Schultern und Hälse neigen sich, die Gesichter verziehen in Grimassen.

Gegen Ende trommelt und singt der äußerst talentierte Mthuthuzeli November, der ebenfalls Südafrikaner ist, mit großer Kraft, hüpft und huscht an einer Stelle, während die Tänzer körperlich und stimmlich auf seine Anrufung reagieren.

Es ist ein bisschen wie „Frühlingsritual“, aber es gibt keine Opfer, nur ein Gefühl des gemeinsamen Eintauchens in etwas Mächtiges und ein enormes Engagement von Tänzern, die es gewagt haben, sich auf der Bühne zu offenbaren.

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