Die 100 besten Songs von NPR 2022

Es waren 50 Personen nötig, um diese Liste der 100 besten Songs des Jahres 2022 zu erstellen. Warum so viel Aufwand betreiben, wenn algorithmisch generierte Playlists einem Hörer das bieten können, was er bereits wissen möchte? Denn es gibt mehr als nur isolierte Ecken, die sich im Streaming-Zeitalter so gemütlich anfühlen können. Das gilt besonders für ein Jahr wie dieses, dessen aufregende Ereignisse sich selbst im Nachhinein nur schwer in klare Kategorien oder Hierarchien einordnen lassen. Für die Mitarbeiter und Mitwirkenden von NPR Music fühlte sich die Erstellung dieser Liste chaotisch an, aber die Anstrengung hat auch einen Vorteil: Wir haben uns zusammengetan. Wir redeten. Wir hörten. Am Ende haben wir eine Rangliste mit 100 Songs erstellt, die das ausufernde, energiegeladene Durcheinander des Jahres 2022 widerspiegelt. Denn das Ende eines Jahres ist ein schöner Moment, um das zu feiern, was man liebt, aber es ist auch der perfekte Zeitpunkt, um etwas außerhalb der eigenen Komfortzone zu hören. Eine Garantie: Hier finden Sie etwas, das den Zweck erfüllt.

100. Kleiner Simz, „Gorilla“

Die im Norden Londons lebende Rapperin Little Simz kennt ihren Wert. Sie mag zwar introvertiert sein, aber sie ist nicht kleinmütig, und bei „Gorilla“ behält sie den Überblick: „Nenn mal, wo ich nicht geliefert habe“, rappt sie souverän über eine entspannte, zupfende Basslinie. Über den stetigen Breakbeat und die wogenden Strähnen von Produzentin Inflo hinweg zeigt sie die Beherrschung ihrer druckvollen Reime mit einer Kadenz, die so lässig ist, dass es sich anfühlt, als könnte sie sie im Schlaf vortragen. Der Track endet auf die gleiche Weise, wie er beginnt: mit dem Pomp und der Atmosphäre dröhnender Blechbläsernoten. Es ist eine Erklärung – Little Simz ist hier und möchte, dass Sie es spüren. —Teresa Xie

99. Ian William Craig, „Attention For It Radiates“

Die klanglichen Veränderungen in diesem fast neunminütigen Ambient-Stück sind schwach und gebrochen und werden durch Rauschen statischer und entfernter fremder Stimmen unterbrochen. Die Wirkung des Tracks – komponiert als Begleitung zu einem von der Quantenmechanik inspirierten Online-Puzzle – ist ebenso betörend und wundersam wie die kosmischen Geheimnisse, die er zu verstehen versucht. –Robin Hilton

98. Viking Ding Dong (feat. Ravi B), „Leave It Alone (Remix)“

Während einige von uns Wasser tranken und sich um ihre Angelegenheiten kümmerten, erinnerte der selbsternannte „sexiest dickbauchige Mann in Soca“ die Zuhörer daran, dass nicht alles jedermanns Sache ist. Viking Ding Dongs Soca-Hit „Leave It Alone“ ist eine fröhliche, sachliche Hymne, die gesunden Menschenverstand und verantwortungsvolles Feiern preist, im Vergleich zum ansteckenden, heulenden „Big Joy Riddim“ von The Great Zeee. Wenn Sie zu Ihren Feiertagen vorfahren, denken Sie daran: „Wenn Sie wissen, dass Sie mit dem Rum der Leute nicht klarkommen / Wenn Sie den Rum der Leute sehen, lassen Sie ihn in Ruhe.“ –Nikki Birch

97. Adeem der Künstler, „Middle of a Heart“

Adeem, der Künstler, kennt sich mit Country-Songs aus, die gute Laune machen – das Debütalbum des Singer-Songwriters heißt schließlich White Trash Revelry –, aber „Middle of a Heart“ macht eine Pause für eine harte, erschütternde Auseinandersetzung mit Militärdienst, Waffenkultur, Romantik der Arbeiterklasse und das Gewicht der Entscheidungen, die wir treffen. –Stephen Thompson

96. Zahsosaa, D STURDY und DJ Crazy, „Shake Dhat“

Jede Rap-Generation bekommt den Tanztrend, den sie verdient. Die Philly Goats, ein Teenager-Trio, das für seine Moves ebenso viral geht wie für seine Raps, standen im Zentrum der Club-Rap-Bewegung, die in den letzten Jahren aus Philadelphia entstand. Eines der Mitglieder der Gruppe, D STURDY, tat sich 2021 mit dem aus Jersey stammenden DJ Crazy für eine Reihe von Singles zusammen, die in „Shake Dhat“ mit dem Rapper Zahsosaa gipfelten. Das aus Waffengeräuschen konstruierte Lied hat einen fast hydraulischen Sprung, den die Interpreten wie Kinder steuern, die auf einem Trampolin hüpfen. „Shake Dhat“ bringt natürlich einen eigenen Tanz mit, aber es ist die Zugkraft des Liedes, die Lust macht, es zu lernen. —Sheldon Pearce

95. Gabriels, „Wenn Sie es nur wüssten“

„If You Only Knew“ ist eine Übung, bei der man den Atem anhält; Es entwickelt sich von einer verheerenden Klavierballade zu einem kraftvollen und allumfassenden Chor-Release. Jacob Lusks Gesang kann so intensiv oder zitternd sein, wie Sie es brauchen, und in einem der erstaunlichsten Songs dieses gefühlvollen Trios nutzt er ihn, um Hoffnung zu wecken – indem er Sie in Trauer ertränkt, bevor er Sie ins Licht zieht. —Teresa Xie

94. DOMi & JD BECK, „SMiLE“

„SMiLE“ des verschwenderischen, Jazz-angrenzenden Key-and-Drum-Duos ist eine beschwingte Melodie, die Sie in ein Nintendo-Spiel von Super Mario versetzt. Während DOMi eine Reihe druckvoller, heller und farbenfroher Melodien entfesselt, die bei jeder harmonischen Verschiebung schimmern, oszilliert BECK anmutig zwischen 4/4-, 3/4- und 5/8-Takten und hält jeden Abschnitt dieses Songs frisch und interessant. – Ashley Pointer

93. Rema, „Beruhige dich“

Wenn Ihr Schlagwort „ein weiterer Knaller“ ist, bringen Sie besser die Hitze mit, und der junge nigerianische Superstar war im Jahr 2022 ein lebendes, speiendes Feuer-Emoji, vor allem aufgrund dieses Ohrwurms eines Liebesliedes darüber, wie man in Gegenwart einer jungen Dame einen kühlen Kopf bewahrt. Der Westen bekam Wind, als Selena Gomez sich für den Remix einsetzte, aber wir bleiben beim Original. –Otis Hart

92. Taubengrube, „Milchkisten“

Am ersten Tag dieses immer wieder schmerzlichen Jahres präsentierten Pigeon Pit eine unbändige Folk-Punk-Hymne, die von Erschöpfung, Isolation und Trauer zeugt, aber dennoch der Freiheit entgegenstrebt, in der Überzeugung, dass es eine „lebenswerte Welt“ gibt, wie Lomes Oleander singt knapp über dem Horizont. –Marissa Lorusso

91. Tyler Childers, „Angel Band“ (Halleluja-Version)

Das neueste Roots-Country-Album von Tyler Childers befasst sich mit den großen Themen Leben und Tod, Verdammnis und Erlösung und den Kräften, die uns trennen und vereinen. „Angel Band“ gibt der Platte ihr mitreißendes Herzstück: ein großes Lied der Einheit, das als Zwischenstation auf dem Weg in den Himmel in die Kirche führt. –Stephen Thompson

90. Straw Man Army, „Human Kind“

Punk ist im Kern politisch, aber in seiner verletzlichsten Form ist Punk eine Meditation – ein hartnäckiger Spiegel des Lebens. In einer straffen, kargen Anordnung, die dennoch wie Nebel schwebt, starrt Straw Man Army auf das Ausmaß unserer eigenen Verwüstung, klammert sich aber dennoch an die Ruder der Hoffnung. –Lars Gotrich

89. Guitarricadelafuente, „Wer das Licht angemacht hat“

Lautstarke Stimmen und ein pulsierender Rhythmus fangen brennende Leidenschaften ein, während Álvaro Lafuente Calvo aus Valencia die Klänge Spaniens, Kubas und sogar Brahms schöpft, um ein fieberhaftes Melodrama über das spezifische menschliche Elend des Zurückbleibens zu schaffen. —Fi O'Reilly

88. Mary Halvorson, „Nachtschicht“

Der ankündigende Schwung und die stotternde Trittfrequenz von „Night Shift“ signalisieren mehr als nur die neueste listige Provokation von Mary Halvorson, einer brillanten Gitarristin und Komponistin, die zu Recht dafür gefeiert wird, dass sie sich ihren eigenen Weg durch die tausendjährige Jazz-Avantgarde gebahnt hat. Dieses nach vorne gerichtete Stück konsolidiert auch eine Gruppe von Gleichgesinnten, die aus eigener Kraft besondere Aufmerksamkeit verdienen – insbesondere den Posaunisten Jacob Garchik und die Vibraphonistin Patricia Brennan, die jeweils einen Soloauftritt beherrschen, der sich wie ein Drahtseilakt anfühlt. —Nate Chinen, WRTI

87. Leyla McCalla, „Dodinin“

Dieses ausgelassene Highlight aus Leyla McCallas theatralischer Hommage an haitianische Freiheitskämpfer, Breaking the Thermometer, ist ein Lied des Widerstands aus den 1980er Jahren, das sie und ihre Band zu neuen polyrhythmischen Höhen führen. —Ann Powers

86. Die Bergziegen, „Bleed Out“

Der energiereichste Rekord der Mountain Goats seit Jahren endet mit diesem langsamen Flanieren, in dem unser Erzähler seiner unvermeidlichen Sterblichkeit mit der Weisheit eines Weisen und dem klugen Humor eines Actionfilmstars gegenübersteht. –Marissa Lorusso

85. NewJeans, „Hype Boy“

Zusammengestellt von dem Label, das BTS in die Welt brachte, verblüffte das Quintett NewJeans von Anfang an mit dem glanzvollen Y2K-R&B seines Debüts „Attention“, doch die ganze Bandbreite der Vision wurde einen Tag später mit „Hype Boy“ enthüllt ." Die Mitglieder dieser Girlgroup sind mehr als einfache Revivalisten: Die zweite Single aus der selbstbetitelten EP der Gruppe ist transformativ, präzise und sanft gemischt, subtil in ihren Anspielungen auf elektronische Musik, schillernden Synthpop und Moombahton-Rhythmen. Mit reduziertem Gesang, der im K-Pop selten zu hören ist, kündigte sich NewJeans als Teil der Avantgarde der 4. Generation an. —Sheldon Pearce

84. Joyce, „Weiblich“

Diese ausgegrabene 11-minütige Version von Joyce Morenos Signature-Song wurde ursprünglich 1977 aufgenommen und ist ein Geschenk an brasilianische Musikliebhaber und Historiker. Moreno ist mit ihrer federleichten Stimme und ihrer aeroben Gitarrenarbeit die Zeremonienmeisterin einer mitreißenden Jam-Session, die im Wind galoppiert. –Lars Gotrich

83. Ayra Starr, „Rush“

Ayra Starr beeilt sich nicht, hochzukommen. Nachdem „Rush“ als neues, frisches Gesicht für das Afropop-Genre positioniert wurde, mit erhebender Reprise und dem strahlenden Stimmton und der Darbietung des Sängers, ist es weniger eine Single als vielmehr ein Mantra; eine Erinnerung daran, hart zu arbeiten, sich Anmut zu gönnen und Hasser, die jeden Atemzug beobachten, besonders breit anzulächeln. –Sidney Madden

82. Disclosure & RAYE, „Wasserfall“

Dieser melodische Sommer-Groove bringt Ihren ganzen Körper in Bewegung. Das britische Elektronikduo bringt den Two-Step-Rhythmus der Garage von jenseits des Großen Teichs – eine Mischung aus luftigen Synthesizern und exzentrischen Drums. Die britische Singer-Songwriterin RAYE hüpft mit ihrem kraftvollen Gesang über den Track und bringt Sie mit, während sie ihre Liebe ausschüttet ... wie ein Wasserfall! —Sofia Seidel

81. Ari Lennox, „POF“

Der Eröffnungstrack von Ari Lennox‘ neuestem Album, Age/Sex/Location, „POF“, löst uns effektiv von der verliebten Frau ihrer früheren Veröffentlichungen. Als Initialisierung für die abgedroschene Redewendung „Plenty of Fish“ und die nach ihr benannte Dating-App „POF“ bietet sich Lennox die Möglichkeit, ihre Bewunderer über ihre unermüdliche Selbstliebe zu informieren und ihre (vielen) Bedenken gegenüber der Dating-Landschaft offenzulegen . –Kiana Fitzgerald

80. The 1975, „Part of the Band“

Matty Healy hat eine große Persönlichkeit, die jedoch manchmal hinter der opulenten Produktion von The 1975 verborgen bleibt. Bei „Part of the Band“ steht Healys witzige Poesie im Mittelpunkt, dank der Hilfe von Jack Antonoff, der laut Healy dazu beigetragen hat, „die Unsicherheit aus seinem Auftritt zu nehmen“ und die Dinge zu vereinfachen. Das Lied fühlt sich sowohl selbstbewusst als auch verletzlich an – und es ist auch lustig. —Raina Douris, World Café

79. Anna Tivel, „Schwarzer Regenschirm“

Viele Lieder wurden im Zuge der Black Lives Matter-Bewegung geschrieben, aber nur wenige fangen die Katastrophe systemischer staatlicher Gewalt mit der lebendigen, verheerenden Detailliertheit ein, die der große Singer-Songwriter aus Portland in diesem Bericht über eine zufällige Begegnung mit der Polizei bietet, die einen Teenager zurücklässt tot. —Ann Powers

78. Attacca Quartett, „First Essay (Nimrod)“

Die Komponistin Caroline Shaw beginnt mit einer munteren Melodie, die in ein musikalisches Kaninchenloch stürzt. Obwohl es für das raffinierte Attacca-Quartett schwierig zu spielen ist, ist es doch ohrenschonend. Halten Sie beim Durchschreiten des Labyrinths Ausschau nach aufragenden Wellen, Momenten schimmernder Ruhe und einem letzten rohen Akkord, der durch die letzte Falltür schlüpft. —Tom Huizenga

(Eine Version dieser Rezension erschien ursprünglich im #NowPlaying-Blog von NPR Music.)

77. Beth Orton, „Friday Night“

Ein Schauder durchzieht dieses erstaunliche Lied der Trauer. Neben dem tröstenden Schlurfen von Tom Skinners Ausrüstung beschreibt Beth Orton (diese Stimme!) die Verwüstung verlorener Liebe, die Art von Traurigkeit, die einen an einem Freitagabend lange wach hält. Die Erinnerung ist ein gnadenloser Bettgenosse. –Otis Hart

76. DJ Python, „Angel“

In einer Umkehrung des Haupt-Eau de Parfums, das neben diesem Titel zum Kauf angeboten wird (Kopfnoten von Yuzu, Ambergris; Basisnoten von Sandelholz), spielt Piñeyro Klang-als-Aroma mit einem Bouquet botanischer Minimaltöne. (Kopfnoten: Aphex Twin ca. 1992, Boards of Canada. Basisnoten: Isolationism-Compilation von Virgin Records, Vogelgezwitscher im Sommer.) Der Duft war schlicht in einem kleinen Stück beigen Plastik verpackt, aber ein geflügeltes Kristallstück hätte dazu gepasst genausogut. – Mina Tavakoli

75. Patricia Brennan, „Unquiet Respect“

„More Touch“, das triumphale zweite Album der Mallet-Perkussionistin Patricia Brennan, synthetisiert eine bedeutungsvolle Reihe rhythmischer Einflüsse – Folkloremusik aus ihrer Heimat Veracruz, das heilige Rühren afro-kubanische Batá-Trommeln, sogar die stroboskopischen Wiederholungen des Postminimalismus. Der Opener „Unquiet Respect“ ist ein aufregender Sprung in die beschwingten Synkopen der Soca-Musik, wobei Brennans Vibraphon (leicht bearbeitet mit einem digitalen Wackeln) über den zweimotorigen Schwung des kubanischen Perkussionisten Mauricio Herrera und des amerikanischen Schlagzeugers Marcus Gilmore schwebt. —Nate Chinen, WRTI

74. Schwarzer Sherif, „Kwaku der Reisende“

Drill, diese täuschend einfache Variante des bassbetonten Straßenraps, hat sich in den letzten Jahren schrittweise weiterentwickelt, da in Städten auf der ganzen Welt neue Szenen entstehen. Auf „Kwaku the Traveller“ treibt es Black Sherif, der 20-jährige ghanaische Rapper Mohammed Ismail Sharrif, auf den Berggipfel und verleiht dem Stadtgezwitscher einen biblischen Glanz. –Otis Hart

73. Madison Cunningham, „Leben nach Raechel“

Viele Künstler beschäftigen sich irgendwann mit Themen wie Verlust und Bedauern. In „Life Entsprechend Raechel“ fängt die Folk-Rock-Künstlerin Madison Cunningham auf bewegende Weise die heftigen Schmerzen ihrer ersten Jugenderfahrung ein, als ihr zu spät klar wird, dass sie die Zeit mit einem geliebten Älteren verschwendet hat. –Jewly Hight, WPLN

72. La Doña, „Sorrows with Bread“

Möchtegern-Liebhaber, das kennen wir alle. „Penas con Pan“ ist eine Erzählung über die Wankelmütigkeit einer Beziehung, aber La Doña suhlt sich nicht. Stattdessen fangen der pulsierende Rhythmus des Dembow-Rhythmus des Liedes und La Doñas verführerische Behauptung ihrer eigenen Begehrlichkeit das verlockende Hin und Her einer schwer fassbaren Romanze ein. —Fi O'Reilly

71. Julia Jacklin, „Liebe, versuche nicht loszulassen“

Julia Jacklin ist eine vollendete persönliche Geschichtenerzählerin, deren prägnante Lieder ein kompliziertes Inneres aufschneiden. Aber über dem Klavier, das sich wie Fragezeichen windet, zoomt sie heraus, um eine Erleuchtung zu entdecken: Wie der Rest von uns versucht sie nur, sich zusammenzuhalten, an dem Einzigen festzuhalten, das sie verankert – der Liebe für wen (oder was auch immer) sie akzeptieren wird Es. —Grayson Haver Currin

70. Molly Tuttle, „Crooked Tree“

Die Bluegrass-Größe Molly Tuttle und ihre Band sind auf dem gesamten Album, das nach diesem Lied benannt ist, geradezu virtuos – aber als Mission Statement bringt „Crooked Tree“ wunderbar die Überzeugung der preisgekrönten Sängerin und Gitarristin zum Ausdruck, dass Unvollkommenheit und Eigenart das Wesen des Menschen sind Schönheit und tatsächlich Überleben: „Ein krummer Baum passt nicht in die Mühle.“ –Ann Powers

69. Black Country, New Road, „Der Ort, an dem er die Klinge einführte“

Dort, am Ende des 7-Minuten- und 13-Sekunden-Tracks, der dieses Jahr von diesem Sextett aus Cambridgeshire veröffentlicht wurde – vorbei an all seinem 90er-Jahre-Emo-Revivalismus, vorbei an den Floyd-ähnlichen Voxen der Syd-Barret-Ära, vorbei an dem schreienden Post-Rock- y crescendo – lebt einen kleinen Moment des Verlusts am Rande von Qual und Stille. „Zeig mir, wo ich das andere Ende dieser Kette anbinden soll“, heißt es in dem Lied hoffnungslos. Es könnte hilfreich sein, sich „The Place Where He Inserted the Blade“ als etwas vorzustellen, das Emily Dickinson aus dem Weltraum schreiben würde. – Mina Tavakoli

68. Khruangbin & Leon Bridges, „B-Seite“

Der selbstbewusste Falsettgesang von Leon Bridges ist der Ruck, den Khruangbin brauchte, um ihre ultra-chillige Psychedelik auf einen höheren Gang zu bringen. Auf „B-Side“ liefern die vier versammelten Vier einen sehnsuchtsvoll vibrierenden Bluesrock ab – drehen Sie die Lautstärke auf, während Sie den Highway hinunterrasen, um wieder in ihre Arme zu fallen. —Nastia Voynovskaya, KQED

67. Nduduzo Makhathini, „Unonkanyamba“

„Unonkanyamba“ nutzt Wiederholungen als meditative Übung, indem es Trommeln und großzügiges Klavier in eine neunminütige Hypnose einbindet. Auf einem Album voller leidenschaftlicher spiritueller Grooves bereitet dieses Album eine große Bühne, ein Titel, der gleichermaßen von traditionellem und zeitgenössischem südafrikanischem Jazz durchdrungen ist. –Marcus J. Moore

66. Karol G, „Provenza“

Von den Fahrerhausfenstern bis zu den Eckschwellen – die seidigen Beats von Karol Gs Ohrwurm „Provenza“ begleiteten einen globalen Sommer. Der Track besticht durch tropische Klänge und einen unermüdlich tanzbaren Rhythmus, der Sie garantiert noch einmal fesseln und Sie bis zum Sonnenaufgang draußen halten wird. – Anamaria Sayre

65. Vince Staples, „WHEN SPARKS FLY“

Das zarte, in Frano produzierte „WHEN SPARKS FLY“ ist ein Karrierehöhepunkt für Vince Staples. Mit kluger Erzählkunst spuckt Staples geschickt verheerende Mehrfachinhalte aus, während die Protagonistin des Liedes, eine personifizierte Schusswaffe, die Inhaftierung ihrer Geliebten beklagt. Staples' Müdigkeit ist eine bekannte Geschichte, die vom Gefängnis-Industrie-Komplex gesponsert wird. Anstelle eines Abschlusses endet das Album mit einem resignierten Seufzer, als wäre es ein Epilog der sorgfältigen Archivierung seiner Kindheit durch den Compton-Rapper. –LaTesha Harris

64. Tove Lo, "2 Die 4"

Tove Lo hat Dirt Femme mit unauslöschlichen Dance-Pop-Knallern über die abgewetzte Unterseite der Weiblichkeit vollgestopft. Das Beste von allen ist „2 Die 4“, das den Hit „Popcorn“ von Hot Butter aus dem Jahr 1972 interpoliert, um einen eindringlichen Ohrwurm über das Versprechen eines neuen Schwarms und die Freude daran zu schaffen, „im Scheinwerferlicht zu tanzen und im Auto rumzumachen“. Regen." –Stephen Thompson

63. Jazmine Sullivan, „BPW“

„BPW“ ist brillant inspiriert von „Mona’s Tale“, dem vorangehenden Zwischenspiel der Deluxe-Version von Sullivans Heaux Tales, und strahlt das sexuelle Können eines Liebhabers aus, der nach Anbetung sucht, und sagt klar: „Wenn es eine Auszeichnung gäbe, möchte ich das Gold / Und.“ Ich will nicht nur dein Herz, ich will deine Seele. Sullivan liefert auf der Akustikgitarre eine perfekt raue Darbietung ab, während sie das alles verzehrende Verlangen einfängt, vollkommen begehrt zu werden. – Jerusalemer Wahrheit

62. Denzel Curry, „Walkin“

Denzel Curry weigert sich, Stillstand zu akzeptieren. Als einer der wenigen MCs aus der SoundCloud-Rap-Ära, die noch bestehen, lebt er vom Transformationsprozess. „Walkin“, die Lead-Single von Melt My Eyez See Your Future, stellt einen weiterentwickelten Curry-Rap über eine gesunde Auswahl an Vocals aus Keith Mansfields Song „The Loving Touch“ aus dem Jahr 1973 in den Mittelpunkt. Mit „Walkin“ gewährt uns Curry großzügig einen Einblick in die Beharrlichkeit und Ausdauer, die es braucht, um das Leben eines jungen Schwarzen in dieser „schmutzigen, schmutzigen, verrotteten, fiesen kleinen Welt, die wir unser Zuhause nennen“ zu führen. –Kiana Fitzgerald

61. beabadoobee, „reden“

„Nicht zu viel Chaos, aber gerade genug, um eine gute Zeit zu haben“ – so hat Beabadoobee einen Dienstagabend beschrieben, die unerwartete Inspiration hinter diesem tadellosen Stück Y2K-Nostalgie darüber, unter der Woche auszugehen, um eine tolle Zeit zu haben und seinen schlimmsten Impulsen nachzugeben. –Marissa Lorusso

60. Björk, „Atopos“

Björks neuestes Projekt positionierte sie als Suchende nach neuen Lebensarten auf der Erde. Auf „Atopos“ liefern ein verzerrter, dembowartiger Backbeat und dunkle Klarinetten den Boden, während sie ihre Fragen zusammen- und auseinanderrätseln. Ihre Mahnung zur Hoffnung durchdringt alle Arten von Leben und eine allumfassende menschliche Biosphäre. —Stefanie Fernández

59. Okt, „Afar“

Hayden Dunham, alias Hyd, war einer von SOPHIEs lieben Freunden und Mitarbeitern. Wenn sie also singen: „I never meaning to Leave / It wasn't up to me / If I Could, I would have been / Close to you“, dann ist das so Man kann sich kaum vorstellen, dass der bahnbrechende Produzent aus der Ferne Liebe sendet. Die Inszenierung von Caroline Polachek rundet das Spektakel ab. –Otis Hart

58. Sky Ferreira, „Don't Forget“

Auch wenn der Retro-Synthesizer-Sound der 80er-Jahre bis zum Äußersten umgesetzt wurde, kommt er in diesem Jam-Song wirklich zur Geltung. Ferreiras erster neuer Song seit Jahren baut sich gekonnt um die Synthesizer herum auf und belohnt bei jedem Hören. –Russ Borris, WFUV

57. Regina Spektor, „Up the Mountain“

Während ein Großteil der Musik von Regina Spektor problemlos mit ihrer Stimme und ihrem Klavier harmoniert, entstand dieses intensive Lied in einem monatelangen Ferndialog zwischen ihr und dem Produzenten John Congleton. Mit den Orchesterarrangements von Jherek Bischoff vermittelt „Up the Mountain“ das Gefühl eines Thrillers und eines klassischen Noir-Films. –Bob Boilen

56. Tommy McLain, „I Ran Down Every Dream“

Das Flackern in der Stimme des achtzigjährigen Soulsängers aus Louisiana ist glühend, als er in dieser wunderschönen Ballade, die mit Unterstützung seines langjährigen Fans Elvis Costello geschrieben wurde, ein Leben voller Hoffnung und Enttäuschung erzählt. —Ann Powers

55. Yahritza und ihre Essenz, „Du bist in meiner Vergangenheit“

Yahritza Martínez und ihre Brüder haben die Naivität eines jungen Herzens und die Tiefe einer durch ihre Vorfahren gefestigten Seele genutzt und eine sanfte, packende Interpretation von Ivan Cornejos „Estas en mi Pasado“ geschaffen, die mit Sicherheit selbst die eisigsten Seelen in Trümmer legen wird. – Anamaria Sayre

54. Vikingur Ólafsson, „Studie in kanonischer Form“

Dies ist Musik von Robert Schumann, der JS Bach in seiner besten Form verkörpert. Kaskaden von Noten stürzen wie ein Wasserfall herab und fließen in einem Bach purer Freude zusammen. Es hilft, dass der Pianist hier Víkingur Ólafsson ist, der seine charakteristische Präzision, Transparenz und Wärme zeigt. —Tom Huizenga

53. Lil Yachty, „Polen“

Für einen kurzen, aber amüsanten Moment wurde die Kultur dieses Jahr von 83 Sekunden eigenwilliger Neuheit in ihren Bann gezogen: Lil Yachtys verstümmelte Erzählung über den Transport von Hustensaft über Landesgrenzen hinweg. Es ist die Art von einfacher, fast rudimentärer Melodie, die sich in Ihr Gehirn eingräbt und Ihnen mehr Fragen als Antworten hinterlässt – aber sie ist einfach so skurril, dass es Ihnen eigentlich nichts ausmacht. –Reanna Cruz

52. LF-SYSTEM, „Angst zu fühlen“

Es ist unmöglich, „Afraid to Feel“ von LF SYSTEM zu hören, ohne den Drang zu verspüren, aufzustehen und zu tanzen. Das schottische Produktionsduo zollt der House-Musik und der Disco der 70er Jahre Tribut, indem es den BPM von Silks Song „I Can't Stop (Turning You On)“ aus dem Jahr 1979 beschleunigt, um einen süchtig machenden Beat zu kreieren und gleichzeitig den alten R&B-Sound beizubehalten. —Teresa Xie

51. Soccer Mommy, „Shotgun“

Eine Beschreibung der Lust wie folgt: „Wann immer du mich willst, bin ich da / ich bin eine Kugel in einer Schrotflinte und warte darauf, etwas zu ertönen“ wirkt nicht gerade kraftvoll. Aber Sophie Allison hat immer wieder bewiesen, dass sie mit einem klareren Auge und einem schärferen Stift schreibt als die meisten anderen. Die Details hier – die geschwungene Gitarrenlinie, das kühle Selbstvertrauen der Melodie, der silberne Schimmer, der über den Trommeln aufsteigt, die während des Refrains donnern, als würde einem das Herz in die Kehle schlagen – verraten es: So hört es sich an, wenn man eines besitzt Wünsche. —Jacob Ganz

50. DIE SSERAFIM, „ANTIFRAGIL“

Kein anderer Song in diesem Jahr spiegelt die einzigartige, schwindelerregende Fähigkeit von K-Pop wider, globale Klänge zu fesseln und in etwas fantastisch Neues zu verwandeln, so wie „ANTIFRAGILE“. Die aufstrebende Girlgroup LE SSERAFIM mischt den bombastischen Stil von K-Pop mit Reggaeton im Motomami-Stil in einem zukunftsweisenden Hit, der amerikanischen Stars Angst einjagen dürfte. –Hazel Cills

49. Flo Milli, „Bed Time“

Auf ihrem Album You Still Here, Ho? verspricht Flo Milli, dass sie mehr bissig als bellend ist. Ihre lyrische Kühnheit ist auf „Bed Time“ unbestreitbar, mit schlagfertigen Takten, die darauf abzielen, Reaktionen hervorzurufen, einschließlich der herausragenden Zeile „My mama'll beat ab**** up, this s*** is generic.“ Flo gibt zu verstehen, dass sie nicht die Richtige ist, mit der man spielen kann. –Kiana Fitzgerald

48. Kendrick Lamar, „Das Herz Teil 5“

Bevor Kendrick Lamar mit Mr. Morale & the Big Steppers seinen eigenen Mythos in Frage stellte, blickte er über sich selbst hinaus und verkörperte andere prominente Entertainer für „The Heart Part 5“, eine prägnante Würdigung des kulturellen Status der schwarzen Männlichkeit. Seine Lyrik ist zerreißend und fügt sich zwischen Handtrommeln und stacheligen Streichern zusammen. Das gefälschte Video des Songs – in dem sich Kendrick in OJ Simpson, Kanye West, Jussie Smollett, Will Smith, Kobe Bryant und Nipsey Hussle verwandelt – erregte große Aufmerksamkeit, aber noch verblüffender ist sein umwerfendes Wortspiel, das die Kultur auf die Probe stellt all die darin enthaltene Toxizität. Nach „The Heart Part 5“ kann sein Album als Versuch gelesen werden, mit seiner eigenen Mitschuld an der Aufrechterhaltung dieser Generationsflüche zu rechnen. —Sheldon Pearce

47. Sudan-Archive, „Home Maker“

Bei „Home Maker“ geht es darum, einen Ort zum Wohnen aus Liebe zu schaffen. In den dröhnenden Synthesizern des Tracks kann man fast die Treibhauswärme eines mit Pflanzen bewachsenen Häuschens spüren. Mit formverändernder Instrumentierung spiegelt Brittney Parks die Art und Weise wider, wie sich das Gefühl eines Zuhauses von einem Ort zu einer Person und zu etwas bewegen kann, das schwerer zu benennen ist. Die Single ist sowohl eine Einladung als auch eine Hymne für die Nester unter uns: „You can be yourself with me.“ –Sam J. Leeds

46. ​​Fly Anakin, „Love Song (Come Back)“

Fly Anakin stürmte mit Flügeln und klebrig-ekligen Flows auf „Frank“, seinem eigentlichen Albumdebüt im Jahr 2022. Und die Eröffnungsnummer „Love Song (Come Back)“ blieb in ständiger Wiederholung, was zu einem großen Teil der Stimmungseinstellung von Produzent Foisey zu verdanken war Beispiel von David Olivers zeitlosen, schnurrenden Bitten zu „Can I Write You A Love Song.“ –Rodney Carmichael

45. Julius Rodriguez, „Doras Wiegenlied“

Gewöhnen Sie sich daran, den Namen Julius Rodriguez zu hören. „Dora's Lullaby“ der 24-jährigen Multiinstrumentalistin und Produzentin ist ein wunderschönes Stück, das sich sofort wohl und vertraut anfühlt. Was als Klavierreise mit entschlossenem Sinn für Abenteuer beginnt, mündet in eine trügerisch üppige Traumwelt mit einem Hauch von Laune. –Nikki Birch

44. Maggie Rogers, „Da bin ich“

Jede Note, die Sie singen, ist eine Wahl. „That's Where I Am“ verbringt vier Minuten mit einem akrobatischen Pop-Auftritt, aber am meisten spüren wir, wie Maggie Rogers‘ unerwidertes Verlangen in ihrer Brust beginnt („You never touched me“) und dann ihr ganzes Wesen verzehrt („but „Ich fühlte dich eeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeereeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeee mehr über mehr als über ee mehr –Lars Gotrich

43. Rico Nasty, „Gotsta Get Paid“

Der zum Rage-Rapper gewordene Kaugummi-Trapper Rico Nasty liebt es, verdrehte Geräusche zu nehmen und sie frech zu machen. Sie war eine der ersten MCs, die sich Hyperpop zuwandte, und verlieh damit ihren kämpferischeren Songs Schwung. „Gotsta Get Paid“, koproduziert mit 100 gecs, ist wie Cypress Hill auf Gummibärchen – trippiger Rap, neu verpackt für ein Zuckerfallen-Publikum. Während der Beat wimmert und schnauft, stolziert sie hindurch, als wäre sie unantastbar. —Sheldon Pearce

42. Anna Butterss, „Doo Wop“

Was die Komposition angeht, scheint die Bassistin Anna Butterss ihre Songs durchzuhacken und Schwachstellen in ihren ansonsten glitzernden Wänden zu finden, um ein Loch zum Durchschauen zu schlagen. Dies wird vielleicht am deutlichsten bei „Doo Wop“ anhand der entzückenden Aktivitäten. Mit einem federnden A-cappella-Ooh-wa (dem titelgebenden Doo-Wop) als Hauptfigur wickelt sich Butterss mit festen Schritten und blechernen Funkeln hin und her und sorgt so für einen strahlenden Sonntagmorgen, an dem nichts auf dem Programm steht. –Andrew Flanagan

41. Sean Shibe, „Peace Piece“

Der am Konservatorium ausgebildete schottische Gitarrist hat sein traditionelles Nylonsaiteninstrument gegen eine elegante schwarze mexikanische Stratocaster ausgetauscht. Während Shibe auf seinem Album „Lost & Found“ jede Menge Fuzz und Feedback entfachen kann, entlockt er seinem Instrument häufiger durchsichtige, farbenfrohe Klangbänder. Ein elegantes Beispiel ist ein Cover von Bill Evans‘ „Peace Piece“, bei dem eine E-Gitarre selten so federleicht geklungen hat. —Tom Huizenga

40. Syd (feat. Lucky Daye), „CYBAH“

Syd ist auf „CYBAH“ engelhaft wie immer und steckt ihr ganzes Potenzial in einen Song, der nichts Geringeres verlangt, während Kollaborateurin Lucky Daye ihren Gesang sanft ein- und ausblendet, als wäre es eine Selbstverständlichkeit. „Könntest du ein Herz brechen?“, fragt sie immer wieder noch einmal – jedes Mal wusste ich bereits die Antwort. –Teresa Xie

39. Ice Spice, „Munch (Feelin‘ U)“

Drill in New York City hat auf Ice Spice gewartet, den blasierten Rapper aus der Bronx, der sich nicht darum kümmern lässt. In einem Mob voller Hetzer bleibt sie ruhig – sie bricht nicht so sehr in den Jungenclub ein, sondern ignoriert ihn ganz. Wie passend, dass es in ihrer Breakout-Single „Munch (Feeling You)“ darum geht, einen Typen abzuwinken – einen Idioten, der so ahnungslos ist, dass er nicht einmal erkennen kann, dass sie kein Interesse hat. Was die Drill-Beats angeht, ist diese rumpelnde RIOTUSA-Kreation unscheinbar, nur juckende Hi-Hats und knurrende 808s, nicht wie der ausgeprägte Sample-Drill, der die anderen Singles des Rappers geprägt hat, aber die städtebaulichen Zitterbewegungen der Produktion räumen den Raum frei, den Ice Spice souverän promeniert hinein. Ihre Texte sind bissig und dennoch komponiert, aber die Magie liegt in diesem höhnischen Hook, der durchdringenden, augenrollenden Verachtung des Eröffnungswitzes: „Du dachtest, ich würde dich spüren?“ als ob es eine Idee wäre, die jenseits des menschlichen Verständnisses liegt. —Sheldon Pearce

38. Joy Orbison, Overmono & ABRA, „Blind Date“

Einige Songs haben offensichtliche Anwendungsfälle. Dies ist eine Tatsache, die wir mit offenem Herzen akzeptieren können. Geben Sie also nach: Für einen DJ, der zur Spitzenzeit während eines Abends bei „Blind Date“ auflegt – zu einer Zeit, in der die Blinker der E-Zigaretten auf Rot blinken, Sonnenlicht durch jedes verfügbare Fenster hereinströmt, die BPMs die Marke von 160+ erreichen und die Körperwärme das Tempo erhöht Der Raum riecht wie ein Streichelzoo – genau dafür ist dieses Club-Mammut gebaut. – Mina Tavakoli

37. NxWorries (feat. HER), „Where I Go“

Gemeinsam machen Anderson .Paak und Produzent Knxwledge Musik, die so sanft und cool ist wie eine Kugel geröstetes Kokosnusseis an einem heißen Tag, genossen auf dem Rücksitz eines schwarzen Cadillac. Für diese Rückkehr zur Macht hat das Duo ein Feature von IHR eingebunden, und die daraus resultierende benommene Marmelade strahlt unverhohlen vor Liebe. —Ayana Contreras, Gesang

36. Joan Shelley (feat. Bill Callahan), „Amberlit Morning“

Joan Shelleys Stimme war dazu geschaffen, zu beruhigen, aber ihre Lieder kennen die Dunkelheit. Während „Amberlit Morning“ eine lebendige Naturszene inszeniert – fruchtbarer Boden, Tauwetter im Frühling – führen sie ihre Überlegungen zu den härteren Realitäten der Landwirtschaft und zu der Art und Weise, wie Kinder etwas über den Tod lernen. Unterstützt von Bill Callahans klugem Bariton erkennt Shelley eine einfache Wahrheit an: „Es braucht so viel, um ein Mensch zu sein“ und noch mehr, um uns am Leben zu erhalten. –Stephen Thompson

35. Doechii, „Verrückt“

Zurückhaltend sorgte Doechii mit ihrem Debüt im Jahr 2022 für den größten Aufsehen beim Powerhouse-Label TDE. Und nichts ist „verrückt“ an ihrer kalkuliertesten Veröffentlichung. Obwohl das dystopische Musikvideo zur Single von YouTube verboten wurde, weil es gegen die sexistischen Community-Richtlinien in Bezug auf Nacktheit verstoßen hatte, bewies die Plattform unbeabsichtigt, was Doechiis donnerndes Lied ausmacht: Ein Boss-Girl zu sein bedeutet, den Status Quo auf den Mund zu schlagen, egal wie verrückt er ist beschrifte dich. –Rodney Carmichael

34. Julia Bullock, „One by One“

Dieses einfache und dennoch zutiefst bewegende Lied stammt von Connie Converse, der bahnbrechenden Singer-Songwriterin, deren Brillanz in den 1950er Jahren für einen kurzen Moment aufflackerte, bevor sie 1974 im Alter von 50 Jahren verschwand und nie wieder etwas von ihr hörte. Bullock, nur von einem Klavier begleitet, verleiht dem Lied einen gedämpften, fast andächtigen Ton mit langen, exquisit geformten Phrasen. Zusammen mit Converses täuschend naiver Wortkunst könnte man dies mit Schubert in bittersüßer Stimmung verwechseln. —Tom Huizenga

(Eine Version dieser Rezension erschien ursprünglich im #NowPlaying-Blog von NPR Music.)

33. Taylor Swift, „Anti-Held“

Die Lead-Single von Midnights spiegelte Taylor Swifts jüngste Selbstverletzungen in kleineren Songs wie „The Archer“ von Lover und „Mirrorball“ aus der Folklore wider und verstärkte das Schlimmste ihres Selbstbildes zu einem verletzten, Boss-angehauchten Cheerleader-Gesang. Die Worthaftigkeit des Albums verärgerte einige Kritiker, aber auf „Anti-Hero“ purzeln Swifts innere Reime wie ein rasendes Gehirn, das von Angst zerkaut wird. Unter den Enthüllungen (ihr „verdeckter Narzissmus“, getarnt als „Altruismus“), war der seltsame Humor vielleicht die aufschlussreichste Qualität des Liedes, Zeilen wie „Manchmal habe ich das Gefühl, dass jeder ein sexy Baby ist und ich ein Monster auf dem Hügel.“ Was darauf hindeutet, dass eine 30-Jährige sich mit ihrer Verrücktheit eigentlich ganz gut fühlt. –Laura Snapes

32. Hikaru Utada, „BAD MODE“

Hikaru Utada möchte, dass Sie in guten Händen sind. Der mit Sam Shepherd, der auch als Floating Points aufnimmt, koproduzierte Eröffnungstiteltrack von BAD MODE gibt die Szene vor: glitzernder City-Pop, der durch Fender Rhodes, Bläser und sanften Four-on-the-Floor rauscht, während Utada zwischen Japanisch und Japanisch wechselt Englisch, während Sie einem besorgten Freund Trost spenden. Wie der Rest ihres achten Albums ist es ein anspruchsvoller Popsong, der die Tränen einfängt, wenn sie die Tanzfläche erreichen. –Lars Gotrich

31. Kaffee, „Pull Up“

„Pull Up“ ist ein Wunder der Innovation, das auf der jamaikanischen Musiktradition basiert. Koffee legt ihre faszinierenden, komplexen, schnellen Patois-Sing-Jay-Reime über eine weltfremde Klanglandschaft, produziert vom britisch-ghanaischen JAE5, die die Stakkato-Rhythmen des jamaikanischen Dancehalls mit sprudelnden Afrobeats und jazzigen Saxofonverzierungen in Einklang bringt. „Pull Up“ veranschaulicht das zunehmende Verständnis der 22-jährigen Künstlerin für ihre enormen Talente und die Wirkung dieser Raffinesse und trägt dazu bei, Jamaikas gefeierte musikalische Laufbahn und damit auch den Pop zu erweitern. –Patricia Meschino

30. SiR (feat. Scribz Riley), „Life Is Good“

Für diejenigen unter uns, die von Montag bis Donnerstag herumtrampeln und es kaum erwarten können, ins Wochenende zu kommen, hat SiR eine Welt geschaffen, in der sich jeder Tag wie ein Freitag am Zahltag anfühlt. Der Inglewood-Künstler entführt uns mit entspannter Gitarre und einem an Bop erinnernden Trap-Beat an die Westküste und versichert gefühlvoll: „Das Leben ist gut, wir tun, was wir wollen.“ Mithilfe des mit einem Grammy ausgezeichneten, in East London geborenen Produzenten und Rappers Scribz Riley, der coole acht Takte spuckt und sich von SiRs lässigem Selbstvertrauen ernährt, scheinen die beiden eine der heißesten Kollaborationen des Jahres zu beginnen. – Ashley Pointer

29. Gebrüder Gutiérrez, „Das Gute und das Böse“

Waren Ennio Morricones Spaghetti-Western-Partituren der Höhepunkt dürrer Trostlosigkeit, so haben das Gitarrenduo Hermanos Gutierrez, echte Brüder, eine andere Reise durch diese zwielichtige Landschaft unternommen. Estevan und Alejandro sind auf „El Bueno y El Malo“ geniale minimalistische Arrangeure, die dem impressionistischen und doch innigen Zusammenspiel ihrer Instrumente, dem Rhythmus mit seinen gutturalen, galoppierenden Figuren und abgehackten Backbeats und dem schlanken, lyrischen Lead, dessen kleinster Nachhall reichlich Raum lässt Verschachteln Sie sich innerhalb des Musters, das die beiden Spieler gemeinsam herausarbeiten. –Jewly Hight, WPLN

28. Porridge Radio, „Back To The Radio“

Der Eröffnungstrack zum spannenden dritten Album dieser Band aus Brighton, „Waterslide, Diving Board, Ladder To The Sky“, steigert sich von einem köchelnden zum vollen Kochen. Die Sängerin Dana Margolin erzählte mir, dass sie das Lied schrieb, während sie sich einsam und ängstlich fühlte und sich von denen isolierte, die sie liebte, aber auch im Wissen, dass sie die Depression bekämpfen und darüber hinwegkommen musste. –Bob Boilen

27. Kevin Morby, „Das ist ein Foto“

Als sein Vater mit einer Herzerkrankung kämpfte, sah Kevin Morby zum ersten Mal ein altes Familienfoto – der ganze Clan auf dem Rasen, sein hemdloser Vater jung und gesund und „bereit, die Welt zu erobern“. Der damals 31-jährige Songwriter begann über seine eigene unvermeidliche Seneszenz nachzudenken, schwelgte aber nicht. Stattdessen fragte er sich, was er von der Welt wollte, was ihm der „Schimmer in meinen Augen“ bringen könnte. Dieser unbändige Album-Opener, der unglaublich von Afrobeat und Western-Swing getragen wird, blickt durch ein Fenster in die Vergangenheit, um eine Tür zur Gegenwart zu öffnen. Fahren Sie jetzt voraus, scheint Morby zu begreifen, bevor Sie für immer in einem Bild eingefroren sind. —Grayson Haver Currin

26. Makaya McCraven, „Dream Another“

Nahtlos, üppig, groovig und leichter als Luft lagert „Dream Another“ auf einem sonnigen Mittelweg zwischen Hip-Hop, Jazz und Soul. Wie der Rest von McCravens hinreißendem Album „In These Times“ ist es eine Meisterleistung der Fantasie, Ingenieurskunst, Zeitmessung, Bearbeitung, Zusammenarbeit und persönlichen Vision, die das tut, was jede ekstatische Musik bewirkt: Sie lässt Sie all die Mühe und das Können, die dahinter stecken, vergessen unterwerfe dich seinen Freuden. —Jacob Ganz

25. Ethel Cain, „Amerikanischer Teenager“

„American Teenager“ ist Ethel Cain in ihrer zugänglichsten Form – eine Ode an die am meisten verehrten Teile des Americana, eingehüllt in Hall- und Gitarrenklänge, die gleichermaßen von Tom Petty und Taylor Swift inspiriert sind. Auch wenn es um NASCAR und High-School-Football geht, sucht das Lied nach Antworten, wenn alles verloren scheint: „Jesus, wenn du da bist, warum fühle ich mich dann allein in diesem Raum mit dir?“ sie bettelt, eine flehende Verzweiflung in ihrer Stimme. Es ist ein Lied, das gleichzeitig als Lebensader dient und so gesungen wird, als würde Cain in den nie endenden Himmel schreien, der sie umhüllt, vorsichtig optimistisch im Hinblick auf das, was kommen wird. –Reanna Cruz

24. Megan Thee Stallion, „Plan B“

Eines ist sicher, zwei Dinge sind sicher: Megan Thee Stallion wird niemals mit ihrem Körper oder der körperlichen Autotomie spielen. Die heiße Frau aus Houston nimmt den Takt eines „Freek'n You“-Remixes von Jodeci mit Wu-Tang-Clan und verwandelt ihn buchstäblich in eine giftige Schmährede für ihren verstaubten Ex: „Ich kann immer noch nicht glauben, dass ich früher gef***t habe.“ mit dir / Poppin' Plan Bs, weil ich nicht vorhabe, bei dir festzusitzen. Angesichts der historischen Entscheidung im Fall „Roe vs. Wade“ Anfang des Jahres und der Auswirkungen der Aktion auf die gesamten Bundesstaaten ist „Plan B“ die Art von Knurren, die Fans von „Thee Stallion“ von dem Rapper lieben und auf die sie sich verlassen können, allerdings mit einer zeitgemäßen Ergänzung Portion gesellschaftspolitischen Saft. –Sidney Madden

23. Die Beths, „Experte auf einem sterbenden Gebiet“

Der pensionierte Professor ist eine tragische Figur: Seine Forschung ist irrelevant, seine Einsicht ist getrübt. Auf dem Titeltrack des fantastischen dritten Albums der Kiwi Janglers vergleicht Elizabeth Stokes die Erschütterung durch Erinnerungen an eine zerbrochene Beziehung mit diesem ewigen Relikt: Was tun mit dieser intimen gemeinsamen Sprache, die ausgestorben ist, diesen allgegenwärtigen Geistern? Sie klingt fröhlich und gesprächig, geht aber über den rauen Power-Pop der Band bis an ihre Grenzen, obwohl der überschwängliche Höhepunkt einen Durchbruch offenbart: die Akzeptanz, dass das Tragen dieser Erinnerungen Teil des Lebens und nicht des Sterbens ist. –Laura Snapes

22. Lass uns Oma essen, „Frohes neues Jahr“

Es könnte Jahrzehnte dauern, bis die Menge an Musik über die Auflösung romantischer Liebe vollständig gespielt wird – weniger Musik, die von einer sich verändernden Kindheitsfreundschaft spricht. In diesem schillernden Synth-Pop-Knaller würdigt das Duo Rosa Walton und Jenny Hollingworth meisterhaft die sich verändernde Form ihrer einzigartigen künstlerischen und emotionalen Verbindung. –Hazel Cills

21. Omar Apollo, „Tamagotchi“

„Tamagotchi“ enthält eine Vielzahl. Während Omar Apollo seine zweisprachige lyrische Geschicklichkeit zu einem von Neptunes produzierten Beat zur Schau stellt, stellt er seinen Reichtum zur Schau, preist seinen Status als absoluter Träumer und plädiert aufrichtig für Zärtlichkeit (oder zumindest für Freunde mit Vorteilen). Sicher, es klingt ein wenig anmaßend zu singen: „Ich will deinen Körper, du willst mich auch“, aber wen interessiert das? Genießen Sie „Tamagotchi“ als einen herrlich genussvollen Freudenausbruch. —Fi O'Reilly

20. Molly Nilsson, „Pompeil“

Dies ist Molly Nilssons erster Auftritt auf einer Jahresendliste von NPR, aber das ist unsere Schuld, nicht ihre. Die in Berlin ansässige DIY-Gottheit begann völlig alleine, ekstatischen Synthie-Pop zu schreiben, aufzunehmen und zu veröffentlichen, als Barack Obama noch Senator war, und veröffentlichte in dieser Zeit durchschnittlich fast ein Album pro Jahr. „Pompeii“ sind wohl ihre besten fünf Minuten, in denen glühende Emotionen und sardonischer Witz mit hinreißenden Synthesizern gepaart sind, die einen Weg zur Astralebene vorzeichnen. „Ich wünschte, wir könnten für immer so bleiben“, sehnt sie sich, „genau wie Pompeji.“ Sie versteht es. Fürsorge ist gruselig. –Otis Hart

19. Third Coast Percussion, „Derivative“

In einem unerwarteten, unbändigen Zusammenfluss haben die als Footwork bekannte Underground-Tanzmusik und das traditionelle klassische Percussion-Quartett eine gemeinsame Basis gefunden. Die elektronische Musikkünstlerin Jlin, die die Beinarbeit in ihr eigenes meisterhaftes Reich verwandelt hat, hat die 30-minütige Suite „Perspective“ für die Mitglieder von Third Coast Percussion geschaffen. In der Mitte präsentiert „Derivative“ einen benommenen Groove mit 161 Schlägen pro Minute, der von einem Arsenal an Gongs, Wasserschalen und Trommeln angetrieben wird. —Tom Huizenga

18. Ebenen, „Abilene“

„Abilene“ reiht sich in die lange Tradition von Country-Songs ein, die nach einem Ort benannt sind, der in den Hintergrund tritt, aber Jess Williamson und Katie Crutchfield von Plains fanden Raum für etwas Frisches in der Form – die Art und Weise, wie sie eine Frau darstellen, die sich von ihr loslöst, hat einen außerordentlich subtilen Biss der nostalgische Sog einer Kleinstadt-Fantasie. „Nun, die Main Street war süß und die Mieten dort waren günstig“, gibt Williamson zu, bevor er die Romantik des Bildes beiseite wischt: „Aber ich war zu viel für dich und deine Abilene.“ –Jewly Hight, WPLN

17. Fireboy DML & Asake, „Bandana“

Zwei aufstrebende Afrobeat-Stars Nigerias vereinen sich zu einem funktional perfekten Popsong: Die beiden Takte der gezupften E-Gitarre bilden die zentrale Hookline im Intro. Ein umgedrehter Clave-Rhythmus setzt ein. Die beschwingte Melodie von Fireboy DML steigt und fällt wie eine Hand, die auf dem Wind durch ein offenes Fenster reitet. Asakes höhlenartiger Chor führt uns in die Kirche. Und dann gibt es noch den letzten Schliff mit sentimentalen Streichern im Outro, ohne auch nur ein bisschen an Schwung zu verlieren. Alles ist an seinem richtigen Platz und es geht keine Sekunde verloren. Und das titelgebende „Bandana“? Es ist eine Hommage an 2Pac. Ich meine, wie könnte jemand dieses Lied nicht lieben? –Otis Hart

16. Lizzo, „About Damn Time“

Nachdem ein jahrelanger Aufstieg sie 2019 endlich zu einem bekannten Namen gemacht hatte, kehrte Lizzo mit einer der allgegenwärtigsten Hymnen dieses Jahres zurück. Von den sofort zitierbaren Eröffnungsworten („It's bad-b**** o'clock / Yeah, it's thick 30“) bis zu seinem bassbetonten, flötenbetonten, Roller-Disco-würdigen Arrangement ist „About Damn Time“ … Eine dreiminütige Pop-Meisterklasse, der man einfach nicht widerstehen kann. –Stephen Thompson

15. SZA, „Hemd“

Bereits 2020 erstmals in den sozialen Medien angepriesen, lässt der schattenhafte Hintergrundgesang von „Shirt“ SZAs schlimmsten Verwirrungen freien Lauf, unbelastet von unersättlichen Ängsten, die sie nähren. Aber wie ein überraschender Amboss in einem Zeichentrickfilm belastet das mit den Rippen klappernde U-Boot diesen Fiebertraum und erinnert uns daran, auf die Strenge ihrer Worte zu achten: „Im Moment bin ich im Dunkeln / fühle mich verloren, aber ich mag es / tröste dich darin.“ meine Sünden und alles um mich herum / Alles, was ich gerade habe / Spüre den Geschmack des Grolls / Köchele in meiner Haut.

Die 33-Jährige veröffentlichte ein überaus grausames Video zu dem Lied, in dem sie und der Schauspieler LaKeith Stanfield als Bonnie & Clyde aus der Tumblr-Ära mitspielen, bevor sie sich gegenseitig hintergehen. Eine Funktionsstörung hätte vielleicht noch nie so süß geschmerzt. –Sidney Madden

14. Zach Bryan, „Something in the Orange“

Der eindringlichste Song aus dem größten Durchbruch in der Country-Musik des Jahres 2022 strahlt die ungeschminkte Poetik aus, die diesen jungen Veteranen der Oklahoman Navy zu einer Sensation gemacht hat. Über einem treibenden akustischen Klimper schüttet Bryan seine Verwirrung aus, als eine Liebesbeziehung endet, und das Durcheinander seiner Gedanken – poetische Beobachtungen, verzweifelte Bitten, aufdringliche Wut – formen ein Geständnis, das Nashvilles raffinierte Sentimentalität zugunsten einer Unmittelbarkeit verweigert, die ein bisschen ist hässlich und absolut nachvollziehbar. Die Orange, sagte Bryan, sei der Sonnenuntergang, aber es ist eine Killermetapher. Es könnte eine Pillendose sein, ein Schuss Bourbon, die Rücklichter eines wegfahrenden Autos, die Farbe der Frustration. Es ist eine Kurzgeschichte in einer Zeile. —Ann Powers

13. Fontaines DC, „Jackie Down The Line“

„Jackie Down The Line“ ist eine Warnung: Kommen Sie nicht zu nahe heran. Die Hauptfigur ist grausam und zerstört Beziehungen aus Langeweile. Die Band schwingt Akustikgitarren wie Springmesser und nickt in Richtung „Gimme Danger“ von The Stooges, einem weiteren Ausruf aus völliger Verzweiflung. Das ist zwar kein Wohlfühlsong, dafür aber vielschichtig. Der zur Schau gestellte Schmerz vermenschlicht den Bösewicht im Mittelpunkt und verwandelt eine düstere Ballade in rockige Transzendenz. –Art Levy, KUT

12. Harry Styles, „As It Was“

Wie eine Affäre, die im wirklichen Leben nie mit dir ausgegangen wäre und am Ende des Sommers „arriverci“ sagt, ist dieses Lied abwechselnd verlassen, resigniert, entschuldigend und ein wenig schräg. Seine schlüpfrige Nostalgie basiert auf einer Synthesizerlinie, die an die New Romantic-Ära der Jugend von Styles‘ Eltern erinnert, und im coolen Bossa-Nova-artigen Gesang des Sängers, der so klingt, als würde man sich fühlen, wenn der scheidende Liebhaber einem wehmütig übers Haar streichelt. Die Easter-Egg-Strophen sind den Fans wichtig, aber der Refrain hat „As It Was“ im Jahr 2022 so einprägsam gemacht: Er macht das Bedauern angenehm, ein Dienst, den jeder in einer Zeit chronischen Herzschmerzes braucht. —Ann Powers

11. Stromae, „Hölle“

Stromaes Meditation über Einsamkeit und den Wahnsinn, den sie in sich hervorrufen kann, fühlt sich eher wie eine Fahrt in der Hand ins Nirvana an. Er zaubert dies teilweise mit einer süßen, unbeschwerten Melodie, die wunderbar mit einem sanft pulsierenden Klavier und klingenden Weingläsern harmoniert. Aber der eigentliche Auftrieb kommt von einer wiederkehrenden Gruppe kräftiger und furchtloser Hintergrundstimmen, die zu versichern scheinen, dass das Leben die Hölle ist. Aber wir stecken da gemeinsam drin. –Robin Hilton

10. Steve Lacy, „Bad Habit“

Auch wenn Steve Lacy schon einiges zu bieten hat – Sie kennen ihn vielleicht als den vielseitigen Gitarristen des Internets –, hat er den Mainstream erst diesen Sommer in die Luft gesprengt, als „Bad Habit“ sofort zu einem festen Bestandteil des R&B wurde. In der süchtig machenden Ode in drei Akten an einen verlorenen, nicht ganz geliebten Menschen vermischt Lacy anachronistische Einflüsse wie Princes 80er-Jahre-Synthesizer, plumpe Grunge-Gitarren-Clashes, D'Angelos 2000er-Falsett und Barock-Pop der 60er-Jahre. Der Mikro-Welthit ist eine verführerische Tragödie: Lacys Texte und Gesang schwanken zwischen gereizt, obsessiv, bedauernd und selbstgefällig, während er versucht, sich dem Entkommenen zu nähern, ihm aber nicht gelingt. –LaTesha Harris

9. Joyce Wrice (feat. KAYTRANADA), „Iced Tea“

Joyce Wrice hat sich als Katalysator für R&B und Soul erwiesen. Für alle, die auf der Suche nach ihrer göttlichen Weiblichkeit sind, ist dieser kraftvolle Dance-Hit der perfekte Soundtrack. Mit KAYTRANADA produziert und produziert, verfügt „Iced Tea“ über eine berauschende Kraft aus treibendem Synth-Bass und unzähligen perkussiven Schichten – geschmackvoll kontrastiert mit Wrices strahlendem Gesang –, die eine göttinnenartige Energie ausstrahlt und die Botschaft predigt, auf eigenen Beinen zu stehen. – Ashley Pointer

8. MUNA, „Was ich will“

Eine pochende Sehnsucht prägt den pulsierenden Synthie-Pop von „What I Want“ – so intensiv, dass Sängerin Katie Gavin zittert. „An dem, was ich will, ist nichts falsch“, singt sie, und für einen Moment könnte man meinen, die Proklamation sei unnötig. Aber in einem Jahr, in dem die Wünsche und Körper von LGTBQ-Menschen stark gesetzlich geregelt und ins Visier genommen wurden, klingt die einfache, stroboskopisch beleuchtete Freiheit von „What I Want“ eher wie ein Protest. Auf MUNAs Tanzfläche ist ein Schuss nicht nur ein Schuss, ein Kuss ist nicht nur ein Kuss und solche Wünsche müssen immer wieder mit aller Kraft, die man aufbringen kann, gegen eine Welt eingefordert werden, die lieber zum Schweigen gebracht werden möchte. –Hazel Cills

7. Paramore, „This Is Why“

Paramores erste Single seit fünf Jahren fängt die agoraphobe Paranoia der Post-Isolation-Ära der immer noch andauernden Pandemie, der drohenden Klimakatastrophe und des allgemeinen kulturellen Untergangs mit einer flatternden Rhythmusgitarre und dynamischem Druck ein. Hayley Williams singt ihre Verse in der seltenen, sanften Stimmlage, die sie in ihren Soloprojekten 2020 und 2021 verwendet hat, während der Refrain in ihrem charakteristischen Gürtel erblüht. Mit Anklängen an Talking Heads baut der Track auf After Laughters Projekt des Tanzens im Dunkeln auf. Es ist eine perfekte Ausrede, um zu Hause zu bleiben. —Stefanie Fernández

6. Gunna (feat. Future und Young Thug), „Pushin P“

Ein lächerlicher RICO-Fall brachte Gunna und seinen Labelchef Young Thug für einen Großteil des Jahres ins Gefängnis, doch bevor sie zu Unrecht inhaftiert wurden, gab es „Pushin P“, eine glorreiche, kryptische Hommage an drei Generationen der vielgestaltigen Atlanta-Falle. Über einem Wheezy-Beat, der abwechselnd kristallin und matschig ist, strömen die zutiefst alliterativen Raps aus ihnen heraus. Gunna und Future machen Zeitlupenanrufe und -antworten wie ein von Actavis aktivierter Jadakiss und Styles P. Young Thug macht irgendwie Pantomime in Versen. Sie wechseln sich beim Ad-Librieren ab. Es ist ein lässiger Hit, als ob sie es nur halb versuchen würden. Beim Zuhören fühlte sich das Lied wie der coolste Insider-Witz der Welt an, ein Moment der Dominanz der Rap-Hauptstädte. Wenn man jetzt zuhört, fühlt es sich an wie ein Wegweiser zu einer kurzen Zeit, in der die Realität noch nicht in den Optimismus des neuen Jahres eingedrungen war. —Sheldon Pearce

5. Rosalía, „Saoko“

Nur wenige Augenblicke nach Beginn ihres mitreißenden, symbolträchtigen Albums bricht La Rosalía herein – und erschüttert die Jazzclubszene mit beißendem Gesang und einer knallharten Dembow-Linie. Dieser 4-in-1-Eröffnungstrack steckt voller Ambitionen der Künstlerin und dient als fachmännisch gestaltete Einstiegsdroge in das kompromisslos experimentelle Rosalía-Universum. – Anamaria Sayre

4. Alex G, „Läufer“

Es gibt zahlreiche Fan-Theorien über die Identität der Titelfigur dieses schrägen Pop-Juwels – es könnte sich um einen Drogenkumpel, einen Hund, einen Gott oder Dave Pirner handeln. Der Gegenstand dieser Lobrede spielt keine Rolle; Es ist großartig, weil es das Gefühl der Hingabe selbst einfängt. Die Hingabe in Molly Germers sanften, rollenden Keyboards, die Beharrlichkeit der Snare von Schlagzeuger Tom Kelly und Alex Gs Gesang, der sich von intim bis kathartisch steigert, summieren sich zu einer Art Verzückung: Wer auch immer dieser Läufer ist, es ist seine Frau und es ist sein Leben, und er lässt nicht los. —Ann Powers

3. Bad Bunny, „The Blackout“

Bad Bunny startet sein Opus nach Puerto Rico mit Bomba-Percussion, aber als sich der Song zu einem House-Beat entwickelt, entfaltet sich für Boricuas eine komplizierte Realität. Benito liebt sein Zuhause in besonderem Maße – aber er sendet auch eine strenge Botschaft an diejenigen, die die Insel kolonisierten und nun gentrifizieren. Mit einem unwiderstehlichen Groove bringt es Gabriela Berlingeri auf den Punkt: Puerto Rico gehört seinen Menschen. Alle anderen können verdammt noch mal raus. –Isabella Gomez Sarmiento

2. Beyoncé, „ALIEN SUPERSTAR“

Bei „ALIEN SUPERSTAR“ leitet Beyoncé als Zirkusdirektorin ein hochdramatisches, opulentes Spektakel. „Stilettos werfen Vintage-Kristall von der Bar“, schmollt sie mit distanziertem, monotonem Ton und bricht dann in ein Sexkätzchen-Stöhnen aus. Mit einem Fingerschnippen verändert sie die Stimmung erneut, und wir machen ganz nach Lust und Laune mit, während sie rappt, wie sie die Kraft unserer Sexualität genießt. Mit Credits der Star-House-Musikproduzentin Honey Dijon ist „ALIEN SUPERSTAR“ eine Hommage an den Ballsaal und schafft das, was diese Kunstform am besten kann: das Publikum in eine exquisite Fantasie zu fesseln. —Nastia Voynovskaya, KQED

1. Hitkidd & GloRilla, „FNF (Let's Go)“

Der Mechanismus der Pop-Maschine bleibt im Großen und Ganzen langweilig. Geben Sie die Schuld, wo immer Sie wollen: dem algorithmischen TikTokery, das jeden Song wie einen Klingelton erscheinen lässt, dem Spitzenteam schwedischer Produzenten, das zeitweise bis zu der Hälfte der Top-10-Titel einer Woche verantwortlich gemacht hat, einer Branche das an der bereits etablierten Berühmtheit derjenigen festhält, die bereits in der obersten Schicht von Billboard oder Hollywood vertreten sind. Aber es gibt Gelegenheiten, die mich daran erinnern, Dankbarkeit zu zeigen – ohne all ihre Routine würden sich die wenigen Songs, die uns jedes Jahr aus dem Nichts erschrecken, niemals wie solch verrückte, schillernde Unfälle anfühlen.

Kein Genre im heutigen Amerika ist besser darin, das Wunder der Überraschung zu bewahren und die Unterschiede zwischen Raum und Zeit heilig zu halten, als Hip-Hop. Ihre unausgesprochene Politik besteht nicht darin, aus ihrer Wiege heraus in den zentristischen Mainstream vorzudringen; Die innewohnende Regionalität des Rap stellt sicher, dass das Erbe seiner Heimat jeden Durchbruchskünstler begleitet. In einem bestimmten Jahr könnte jede Stadt vorübergehend zum Zentrum des Universums werden. Zu den früheren Preisträgern zählen Baton Rouge, Toronto und zwei aufeinanderfolgende Lorbeeren für Atlanta – dieses Jahr loben alle Memphis, unseren Chartstürmer aus heiterem Himmel.

Erfolg ist eine schlüpfrige, zurückhaltende Sache – vertraut in seinen Umrissen, aber deutlich und unkalkulierbar in seinen Details. Als Produzentin Hitkidd einer Frau namens Gloria Hallelujah Woods einen bösen Backing-Track schickte, der stark nach Memphis der alten Schule duftete – flach, aber basslastig, mit zwei Noten, die den Takt trugen – befand sie sich, wie sie zugab, „auf der Toilette“ und bereitete sich vor für einen Wimperntermin. GloRilla brachte ihre Altstimme und ihre lockere, an Project Pat erinnernde Kadenz mit ins Studio, und nach 30 Minuten, einer guten Hookline und einem sparsamen Liedtext – durch und durch, wie McCartney mit einem Backwoods – hatten wir „FNF“, a Strecke mit einem der schnellsten Aufstiege in der jüngeren Geschichte, aus dem Nichts zu einer Grammy-Nominierung in nur knapp sieben Monaten.

„FNF“ ist ein Lied der Erfahrung, nicht der Unschuld. Das Video ist ganz Memphis, glanz- und glanzlos – von den Hyundais, die in Vorstadtstraßen geparkt sind, über ihre Horde Freundinnen in Shein-Unterhemden bis hin zu dem Baby, das ins Bild rennt –, aber es hätte in einem Viertel in jedem angrenzenden Bundesstaat stattfinden können. Es möchte, dass du sie wirst, in ihren Evangelien ertrinkst und ihre Rüstung übernimmst. Ich habe keine Angst. Ich brauche diese Art von Liebe nicht. Lernen Sie von mir. Sie sagt nichts davon, meint aber alles. Selbsthilfe-Mantras dominieren die Charts, aber Mädchen wie GloRilla können Mentoring in Form eines Akronyms anbieten und einem beibringen, dass Opfer für die Liebe ein Fehler sein kann, dass die Befreiung von dem Ballast, den man nicht länger tragen muss, lehren kann ist eine Leichtigkeit, die Sie schätzen sollten. Es fühlt sich bedeutungsvoll an, dass man sich den Text in Sekundenschnelle merken kann, wie ein Gebet.

Pops größter Zaubertrick bestand schon immer darin, das ganz Spezifische ins Unspezifische zu verwandeln, aber GloRillas Riesenerfolg im Jahr 2022 erinnert uns daran, dass das Land schon immer von potenziellen Volkshelden bevölkert war, die bereit waren, einem dabei zu helfen, die üblichen Schmerzen des Lebens erträglicher zu machen. Ihr Aufstieg ist nicht so sehr ein Zufall im System, sondern ein Beweis für die Stärke der Anziehungskraft eines Sterns. Und GloRilla hat Memphis zu einer Supernova gemacht und sie und sie ins Zentrum des Universums geschossen. Durch das Schicksal, durch eine Ausnahme, durch ihren Willen gehört GloRilla jetzt zum Pop. – Mina Tavakoli

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