Die Kälte machte ihnen ohnehin nie etwas aus: Wie „Frozen“ musikalischen Zauber hervorbrachte

Die Bühnen-, Kostüm-, Video- und Lichtdesigner der Disney-Produktion in London – die nun zum zweiten Mal im West End stattfindet – brechen das Eis über ihre Kleider, Kristalle und erstaunlichen Effekte

Christopher Oram, Bühnen- und Kostümbildner: Das Schöne an dem Film ist, dass er sich wie ein klassisches Märchen verhält, aber auch alle Regeln bricht. Frozen ist subversiv und deshalb erfolgreich.

Finn Ross, Videodesigner: Ich fand die Gestaltung von Elsas Magie im Film wirklich wunderschön. Es ist nicht nur ein hübsches Funkeln in der Luft, sondern es ist auch sehr emotional mit ihrem Geisteszustand verbunden und die Magie wird zu einer Erweiterung von ihr. Theatralisch dachte ich, das könnte reif für die Erzählung sein.

Samantha Barks bereitet sich auf ihre Rolle als Elsa vor. Foto: Marc Brenner

Neil Austin, Lichtdesigner: Wie bei „Harry Potter und das verwunschene Kind“ bot sich hier die Chance, die nächste Generation von Theaterbesuchern zu treffen. Bei Potter war ein großer Prozentsatz unseres ersten Jahrespublikums Erstbucher des Theaters. Das war wieder einer dieser Momente – der erste Theaterbesuch soll etwas Besonderes sein, man möchte niemanden abschrecken!

Finn Ross: Ich habe an Harry Potter, Curious Incident und Back to the Future gearbeitet … sie sind alle unglaublich wertvoll für die Menschen. Für das Publikum ist dies fast das Nonplusultra auf seiner Reise durch die Frozen-Fangemeinde – es sieht, wie das, was ihm sehr viel bedeutet, zum Leben erweckt wird. Das ist eine privilegierte Position als Designer und eine große Verantwortung.

Stephanie McKeon als Anna; Haare und Make-up hinter der Bühne. Fotos: Marc Brenner

Christopher Oram: Sie versuchen, dem Ganzen neue Energie und neues Leben zu verleihen und gleichzeitig der Welt treu zu bleiben, die die Menschen erwarten. Die Silhouetten bleiben also gleich, aber die Details sind unterschiedlich. Sie möchten sicherstellen, dass Elsa ein langes, wunderschönes blaues Kleid trägt. Das Kleid, das Samantha Barks trägt, ähnelt eigentlich kaum dem der Zeichentrickfigur, aber es besteht den Schieltest, den ich nenne. Es ist ein ganz anderes Kleidungsstück, das auf unterschiedliche Weise funktionieren soll. Schnee war der Elefant im Raum. Bei „Frozen“ dreht sich alles um Schnee … und Schnee ist auf der Bühne eine völlig unpraktische Sache.

Finn Ross: Wir haben einen umfangreichen Prozess durchlaufen, um Eis in verschiedene Emotionen zu charakterisieren – glückliches Eis, trauriges Eis, ängstliches Eis, freudiges Eis. Wenn ich jetzt Eis betrachte, kann ich nicht anders, als es zu vermenschlichen! Aber in Elsas Welt ist es nicht nur gefrorenes Wasser – es ist ein Produkt von ihr und spiegelt wider, wie sie sich fühlt.

Ashley Birchall (Sven) und Obioma Ugoala (Kristoff) auf der Brücke für die Londoner Produktion; Skandinavische Einflüsse in der Bettwäsche und den Mädchenkostümen. Fotos: Johan Persson/Disney und Marc Brenner

Neil Austin: Durch die Beleuchtung können Ihre Einflüsse emotionaler sein als aus der realen Welt. Christopher ließ sich von Skandinavien inspirieren. Es gibt ein gewisses Maß an Hammershøi (Design) in den sehr kalten und sehr dunklen Szenen, aber es hat viel mehr mit den Emotionen der Musik und der Dramatik der Worte zu tun.

Christopher Oram: Der Rahmen um die Bühne ist der norwegischen Holzarchitektur nachempfunden. Es gibt Schnitzereien von Szenen aus der Geschichte von „Die Eiskönigin“ und anderen Disney-Serien wie „Der König der Löwen“ und „Aladdin“ – das ist Teil der Disney-Tradition, „versteckte Mickeys“ in ihren Themenparks und Filmen zu platzieren.

„Wir haben einen umfangreichen Prozess durchlaufen, um Eis in verschiedene Emotionen zu charakterisieren.“ Fotos: Marc Brenner

Finn Ross: Transformation ist ein großes Thema in der Show. Auf der einfachsten Ebene könnte das der Wechsel von Stein zu Eis sein. Chris und Richard Nutbourne, der Bühnenbildner, haben eine Methode entwickelt, die „Eisbeine“ so zu bemalen, dass sie unter normaler Theaterbeleuchtung wie Stein aussehen, aber wenn man die LED-Lichter in ihnen aktiviert, sehen sie wie Eis aus.

Samantha Barks (Elsa) und Besetzung im Schloss. Foto: Johan Persson/Disney

Christopher Oram: Wie bei vielen Shakespeare-Stücken beginnt die Geschichte an einem Ort und führt dann in eine Wildnis, in der sich die Charaktere wiederfinden – wie der Wald von Arden in „Wie es euch gefällt“ oder Illyrien in „Zwölfte Nacht“. Wir gehen von einem Raum, der Sie umschließt – der schweren Holzarchitektur eines von Kerzen beleuchteten Schlosses – zu einem Raum über, der Sie freigibt. Wir wollten nicht, dass das Schloss zu bedrückend wirkt – das Rosemaling, ein norwegischer Stil, bei dem Blumenmotive auf Holzarbeiten gemalt werden, ist weich und voller Farben. Durch die Fenster in den Mädchenzimmern können Sie die Berge draußen und das Nordlicht sehen. Es gibt Ihnen einen Eindruck davon, was kommen wird. Wir fanden eine Farbe für den Boden, die bedeutete, dass es sich sowohl um einen Marmorboden im Schloss als auch um eine gefrorene Tundra handeln könnte.

Finn Ross: Mit Frozen wäre es sehr einfach, einen ganzen Abend nur blau zu gestalten. Das will man nicht machen – es ist langweilig für das Publikum. Also ging ich jede Szene durch und überlegte mir eine Farbreise für das Eis, einschließlich Lila, Cyan und Grün. Der Sonnenaufgang am Ende von Let It Go bringt einen rosa Ton in den Raum. Sie möchten etwas, das gleichzeitig natürlich und fantastisch aussieht.

Die Aurora Borealis ist im Videodesign zu sehen. Foto: Johan Persson/Disney

Neil Austin: Die Rolle des Lichtdesigners ist eine Mischung aus Rollen – aus der Filmwelt beispielsweise Oberbeleuchter, Kameramann, Kolorist und Cutter. Das Publikum sitzt während der gesamten Show mit Weitwinkelaufnahme da. Es liegt an der Lichtgestaltung, Ihren Fokus auf die Bühne, nach außen oder über die Bühne zu lenken. Der Eindruck des Publikums von der Beleuchtung ist, dass es sich um Beleuchtung handelt, aber tatsächlich ist es, wie bei einem Maler mit Hell-Dunkel, viel wichtiger, wo die Schatten fallen und wie das Bild dadurch so dynamisch wie möglich wird. In „Let It Go“ ermöglichen uns diese Schatten, uns zu verstecken oder zu verdunkeln, und lenken die Aufmerksamkeit davon ab, wie sich Elsas Kleid verändern wird.

Christopher Oram: Die Let It Go-Sequenz war ein Berg zum Erklimmen. Viele sehr brillante Leute oben, unten und neben der Bühne machen es möglich. Das ist der Reiz am Theatermachen. Wir haben Physik und Schwerkraft und Budgets, über die wir für die Bühne nachdenken müssen, das ist etwas anderes als bei Animationen. Wir mussten praktisch sein, aber etwas optisch Erstaunliches liefern. Alle ziehen an einem Strang, um einen Moment der triumphalen Befreiung zu schaffen.

„Ein Berg zum Erklimmen“ … Let It Go erreicht seinen Höhepunkt. Foto: Johan Persson/Disney

Finn Ross: Let It Go muss bauen, bauen und bauen und dann, wenn man denkt, dass es nicht mehr weitergeht, ein ganz neues Level finden, auf das man gehen kann. Es sind sehr schwindelerregende vier Minuten. Dies ist ein Disney-Musical – also gehen Sie groß raus oder gehen Sie nach Hause. Sie haben so viel Zeit und Ressourcen, dass es eine großartige Gelegenheit ist, das Medium voranzutreiben und ein paar Risiken einzugehen.

Christopher Oram: Elsas Palast verfügt über einen kompletten Vorhang aus Swarovski-Kristallen, der fantastisch glitzert und schimmert. Swarovski hat es nach unserem Design gebaut. Es hat ein Blumenmuster, das an den Rosemaling im Schloss aus Elsas Kindheit erinnert.

Finn Ross: Auf der Bühne befindet sich eine riesige LED-Wand mit einem Pixelabstand von 3,9 mm. Die Farbwiedergabe ist unglaublich satt und verleiht viel Tiefe. Sobald Sie sich dazu verpflichten, den ganzen Abend eine riesige LED-Wand dort oben aufzustellen, wird es zu einer Art Biest, das es zu füttern gilt, aber das macht Spaß.

Stephanie McKeon (Anna) und Oliver Ormson (Hans). Foto: Johan Persson/Disney

Neil Austin: Vor dem „Mach das Tor auf!“ Moment habe ich vorher die Lichtstärke heruntergeregelt, um die Augen des Publikums an die Dunkelheit zu gewöhnen. Dann hat Finn ein wirklich schönes helles Bild auf dem LED-Bildschirm. Es ist eine metaphorische Öffnung und das Einfallen von Licht – Sie möchten, dass das Publikum die Freude des durchscheinenden Sonnenlichts spürt.

Finn Ross: Videodesign ist unglaublich intersektional – Sie arbeiten in den frühen Phasen der Show eng mit dem Bühnenbildner zusammen und dann, wenn Sie im Theater sind, arbeiten Sie auch eng mit dem Lichtdesigner zusammen. Videodesigner integrieren vorab aufgezeichnete oder Live-Videoinhalte in die Szenografie, Dramaturgie und den Ablauf einer Show, sei es durch Projektion auf LED-Bildschirme, Fernsehbildschirme oder mithilfe von Kameras. Wir integrieren das in ein lebendiges, atmendes Design. Die Videoabteilung erstellt eine Visualisierung des Entwurfs und stellt diese dem größeren Team zur weiteren Diskussion zur Verfügung. Wenn Sie es dann auf die Bühne bringen, können Sie erkennen, dass alles falsch ist und geändert werden muss, weil Sie es sowohl im Raum als auch in der Zeit spüren.

Craig Gallivan (Olaf) tritt im Sommer auf. Foto: Johan Persson/Disney

Neil Austin:„In Summer“ ist ein verrückter kleiner Moment des Varietés mitten in der Erzählung, in dem man in die innere Welt von Olaf eintaucht – es ist eine meiner Lieblingsnummern.

Christopher Oram: Es gab viele Probleme zu lösen, also umgibst du dich mit tollen Menschen – wie Finn, Neil und Michael Curry, dem Puppendesigner. Sie alle bringen ihr Fachwissen ein. Und Sie verlassen sich darauf, dass der Darsteller die Puppe animiert. Craig Gallivan hat eine so gute Beziehung zu der Puppe – sie ist sowohl eine Erweiterung von ihm als auch ihr eigener, individueller Charakter.“

Christopher Oram: Ein Gefühl der Einheit und Harmonie entsteht dadurch, dass eine Person sowohl Bühnenbild als auch Kostüme entwirft. Wolf Hall [das Oram für das RSC entworfen hat] war eine riesige Kostümshow – wir brauchten einen neutralen Bühnenraum, um die Geschichte visuell durch die Kostüme zu erzählen.

Whiteout. Foto: Johan Persson/Disney

Frozen ist ein Ort, an dem Kostüm und Bühnenbild gemeinsam eine Geschichte erzählen. Es entbehrt nicht einer gewissen Ironie, dass „Frozen“ auch für die Schauspieler ziemlich heiß ist. Im Whiteout am Ende tragen sie Kostüme, die dick und wollig aussehen müssen, aber es gibt auch eine große physische Tanzsequenz, also mussten wir Stoffe finden, die schwerer erscheinen als sie sind, und Teile herausschneiden, damit sie nicht unpraktisch zum Tanzen sind .

Obioma Ugoala (Kristoff) hinter der Bühne. Foto: Marc Brenner

Finn Ross: Einige der in der britischen Produktion eingesetzten Technologien unterscheiden sich stark von denen der Broadway-Produktion, und dazwischen liegen nur ein paar Jahre – das zeigt die bedeutenden Entwicklungen, die gemacht wurden. Die von uns verwendeten Systeme und Tools sind so konzipiert, dass sie sich ohne Variation genau wiederholen. Die Videoeffekte laufen alle mit Timecode – bei so vielen bewegten Szenen ist aus reiner Sicherheitsgründen für den Darsteller Präzision gefragt. Es bedeutet auch, dass jedes Publikum die gleiche Qualität der Show erhält.

Neil Austin: Die Erfindung blauer LED-Leuchten und der Farbwechseltechnologie hat die Theaterbeleuchtung völlig verändert. Der Stromverbrauch ist geringer und auch künstlerisch ist die Auswahl größer geworden. Alle diese LED-Einheiten ändern ihre Farbe, und das können Sie vom Beleuchtungsdeck aus aus der Ferne tun.

Christopher Oram: Die Bühne in London ist doppelt so tief wie unser Theater in New York, sodass wir Platz haben, um die große Brücke hinter der Bühne unterzubringen. Auch die Treppe im Palast haben wir für London neu gebaut. Durch den zusätzlichen Platz, den wir haben, ist es nicht so chaotisch – das gesamte Garderobendorf befindet sich im hinteren Teil der Bühne, sodass niemand fünf Treppen hochlaufen muss, um sich umzuziehen.

Backstage im Drury Lane. Fotos: Marc Brenner

Neil Austin: Die Renovierung im Drury Lane ist erstaunlich – nicht nur was man als Publikum sieht, sondern auch hinter der Bühne. Sie haben viel Geld für ein neues Netz, neue Dimmer und neue Infrastruktur ausgegeben.

Christopher Oram:Das Theatre Royal Drury Lane hat ein Gefühl von Erhabenheit und Königtum, das sich gut für die Geschichte eignet, selbst die Farben im Zuschauerraum ähneln denen auf der Bühne.

Ovationen für die Besetzung auf der Bühne. Foto: Marc Brenner

Neil Austin: Sie haben die Verantwortung dafür zu sorgen, dass jeder eine gute Show sieht. Bei Vorschauen schaut man sich die Filme von den billigsten, am wenigsten verdeckten Plätzen im hinteren Teil des Balkons an, um zu überprüfen, ob von dort aus alles in Ordnung ist. Man sitzt da und schaut es sich mit einem Publikum an und erkennt, was man verpasst hat. Sie prüfen, ob Sie Geschichten erzählen, was wir alle tun – ja, jede Designabteilung hat eine technische und künstlerische Disziplin – aber wir sind alle Geschichtenerzähler.

Frozen ist bis März 2023 im Theatre Royal Drury Lane, London, zu buchen.